Escáner Cultural

REVISTA VIRTUAL DE ARTE CONTEMPORÁNEO Y NUEVAS TENDENCIAS

ISSN 0719-4757
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Escultura

 

ESPACIO O PRESENTA MUESTRA EL GRAN HERMANO DE CRISTIAN JOHNSON

 

Del 15 al 30 de marzo de 2018, Espacio O, Villavicencio 395, tercer piso. Lunes a viernes: 11:00 a 19:00 horas. Sábado: 11:00 a 16:00 h.

 

-A través de un trabajo pictórico y objetual cargado de referentes culturales, el artista
aúna política, religión y cultura popular en un cóctel simbólico cargado de ironía, crítica social y recelo por la tradición establecida.

 

-Para ello hace un cruce entre los mecanismos de dominación de principios del siglo XX, basados en el temor a la iglesia y el poder de Dios, y los del  mundo contemporáneo donde los sujetos se someten complacientemente a los códigos del capitalismo, lo que resulta igual de efectivo para perpetuar el sistema y sus poderes.

 

 “El gran hermano” es el resultado de un ejercicio deconstructivo en que se develan y cuestionan las estructuras del poder que someten al individuo y perpetúan el sistema tradicional. A principios del siglo XX esos mecanismos se ejercían a través de la moral, la religión y el poder de un Dios omnipresente; en el mundo contemporáneo es el capitalismo y sus códigos seductores y facilistas los nuevos opresores. En ambos, hay un “Gran hermano” que, como en la novela de George Orwell,1984, es omnipresente aunque nadie lo ve, y muy eficiente en mantener y salvaguardar el establishment.

 

Lo que devela Johnson en su muestra es el cambio radical de paradigma en el curso de los dos últimos siglos.“…Pensando además en la revolución digital, Johnson nos plantea el fin de los sujetos disciplinados a través de historias religiosas y de guerra, ajusticiados por su incondicionalidad al sistema y los renuentes, inmolados por sus causas. Es así como el poder hoy no es planteado desde una personificación, ni siquiera desde una institución, sino desde el seno mismo del capitalismo avanzado, oculto o evidente, nos aparece como un mensaje amable y seductor; es un facilitador que permite acceder al conocimiento y al bienestar. No necesitamos ser controlados porque evolucionamos al autocontrol”, explica Arturo Duclós, curador de la muestra.

 

En este marco, la muestra incluye la serie “El equipaje del colonizador”, cuatro retablos plegables construidos por el artista con gran dedicación y oficio e ilustrados en base al libro Catéchisme en Images, texto francés compuesto de 70 grabados con imágenes religiosas católicas, cada una con una explicación y reseña  en el reverso de la página, de carácter eminentemente doctrinario.  Lo pictórico y tradicional es contrastado con objetos de la cultura pop, que el artista coleccionó minuciosamente a través del mundo vía internet. “Son mercancías cuidadosamente elegidas, sin intervención que a veces demoran meses en llegar a mi poder. Las ubiqué estratégicamente en mis retablos para representar el mundo contemporáneo y la promesa neoliberal de un mundo esplendoroso gracias al poder y el dinero. Al final es la otra cara de la misma moneda porque, al igual que la moral y la religión, un Gran hermano nos controla a favor del sistema y su continuidad”, señala Johnson.

 

Además de los retablos, el artista también presenta distintas series de pinturas que profundizan su crítica. En “El dueño del foso”, se vale de la contingencia para desarrollar personajes sometidos, como los niños abusados por el poder de la iglesia o anti sistémicos como Nicolasa Quintremán Calpán 1939-2013, reconocida por su lucha tenaz a la construcción de la central hidroeléctrica Ralco. En la serie“Las víctimas olvidadas”, se inspira en algunos capítulos de la historia como la guerra fría y el golpe de estado en Chile para establecer narrativas cruzadas con las víctimas del nazismo y de la CIA, presentando a estas víctimas a través del Atlas de Anatomía de Pernkopf, con bellísimas y didácticas ilustraciones que se usa aún para enseñar. Eduard Pernkopf fue director del instituto de Anatomía de la Universidad de Viena y miembro del partido Nazi alemán. Reclutó artistas para que ilustraran sus disecciones de cuerpos de ejecutados en los campos de exterminio, labor que demoró más de veinte años en terminar. En las páginas pintadas de este siniestro atlas, Johnson agregó sellos alusivos y detalles relevantes que vinculan a las víctimas con la crueldad del poder.

 

EG 1928, serie Las víctimas olvidadas, acrílico sobre tela.

Fotografía de Cristian Johnson

Arte y Tecnología

 


 

CALADOS
TULIO RESTREPO
MAG3
Art Week Vienna 2017

Por Yto Aranda
 

Entre el 14 de Octubre y el 15 de Noviembre de 2017 el artista colombiano Tulio Restrepo exhibe su obra en la sala MAG3, dentro del contexto de la Art Week de Vienna 2017. Una instancia motivadora, pues sin duda fue visitada por una gran cantidad de público y no me cabe duda, generó una instancia de intercambio cultural intercontinental que enriquece tanto al artista como a su público.

En CALADOS  Tulio Restrepo, traduce de una instancia callejera, típica de la urbes de Colombia, una serie de formas geométricas, trasladándolas a la animación, la gráfica digital y la escultura.

Se valora el acto de observación de estos espacios "Calados" en donde suceden todo tipo de experiencias, naturales, el paso de la luz a diferentes horas, la intervención del clima con sus humedades y sequedades, el crecimiento de plantas y hongos, a la vez que los cambios propios del deterioro o integración de nuevos elementos, por parte del medio ambiente, valorizando el objeto como un espacio visual, que para un buen observador se convierte en todo tipo de transformaciones ópticas, propias de los muros de las ciudades, pero potenciándose por su cualidad escultórica.

Escáner Cultural nº: 
202
Evolución de la Belleza

 

Frida en porcelana. Foto: Ximena Jordán. Violeta Parra. Foto: http://www.duna.cl/

 

Cultura y globalización

¿Cuántos artistas por país conoce usted?

 

Por: Ximena Jordán - ximejordan@gmail.com

Si hablamos de artistas visuales mexicanos que sean famosos en el extranjero, se nos vienen a la mente de inmediato Frida Kahlo y Diego Rivera. Es indudable que la mayoría de los visitantes foráneos que llegan a México por turismo, por estudios u otras razones, ya conocen a ambos artistas desde sus países de origen, o al menos ubican sus nombres. Hay quienes tienen una cierta visión crítica de esta situación, algo así como que “no es bueno” que Frida y Diego sean “así” de famosos porque su excesiva popularidad pudiera impedir que otros artistas mexicanos tan buenos como ellos sean igualmente apreciados a nivel internacional.

Hasta el 25 de noviembre, Espacio O, Villavicencio 395, tercer piso. Lunes a viernes: 11:00 a 19:00 horas. Sábado: 11:00  a 16:00 horas. Entrada gratuita.  

 

La artista chilena Fernanda Gutiérrez presenta hasta este 25 de noviembre en Espacio O la muestra PASADO PERFECTO, trabajo desarrollado en los últimos dos años donde reflexiona y cuestiona las normas que regulan la clase social más tradicionalista de la sociedad chilena a través de la educación y la religión, y cómo coartan y perturban la existencia de los individuos sometidos a éstas. 

 

Durante toda su trayectoria artística Fernanda Gutiérrez (Santiago de Chile, 1973) ha trabajado en torno a fenómenos de la sociedad chilena, nutriéndose especialmente de sus propios códigos y referentes provenientes del grupo sociocultural conservador y tradicionalista bajo el cual se crió. Desde esa perspectiva cuestiona sus mecanismos coercitivos y su influencia en la formación de individuos sumidos en el prejuicio y el dogma. Principalmente a través de estereotipos que encarnan el poder o bien lo padecen, o símbolos que lo perpetúan, la artista reflexiona sobre este sistema desacralizándolo y reinterpretando códigos sociales acuñados a principios del siglo pasado.

 

Es así como en Pasado perfecto recorre diferentes hitos a través de personajes arquetípicos y símbolos que marcaron su existencia. “Una de la principales conjeturas desarrollada por la artista tiene que ver con el estancamiento conservador de un sector, aunque cada vez más minoritario, de la sociedad chilena, que sostiene un sistema de contención social para su grupo de referencia a quienes controlan jerárquicamente. Estos individuos que ejercen efectos sicológicos devastadores sobre sus afectados, aluden a códigos sociales todavía inscritos en la educación de los inicios del siglo XX. Códigos que provienen muchos de ellos de las tradiciones ortodoxas, agrupaciones religiosas, centros de estudios, de formación militar o partidos políticos. Hoy desde una mirada analítica y social estos códigos fomentan patologías, comportamientos de dominación y manipulación, como figuras tipologizadas; viéndose reflejadas en las conductas escolares de bullying, en las relaciones familiares o en el mobbing laboral, así como la depresión, hasta las conductas sociópatas en sus variantes. Porque en definitiva son formatos de control social y económico, que así como se reproducen en la gran escala de la sociedad, también lo hacen en el círculo más cercano, la familia.”, explica Arturo Duclós, curador de la muestra.

NTERCONECTADOS. PLEXUS SOCIAL

SOLEDAD OMEÑACA


Escultura-intervención de Soledad Omeñaca se instala en los balcones del Museo Nacional de Bellas Artes

La instalación escultórica de gran formato, creada por la artista Soledad Omeñaca, está compuesta por más de 200 piezas modulares de cartón reciclado, los que construyen una red. Interconectados. Plexus social se presenta entre el 14 de julio al 14 de agosto de 2016 en el MNBA.

Interconectados. Plexus Social es la instalación de la artista Soledad Omeñaca que se presenta en los balcones del segundo piso del Museo Nacional de Bellas Artes desde el 14 de julio, y que busca hacer un llamado de atención sobre qué significa realmente estar conectados en el siglo XXI.

Esta creadora, formada en la Universidad de Chile, reflexiona a través de su obra sobre las repercusiones de las nuevas tecnologías y las redes sociales en la vida cotidiana de las personas: “me siento impactada por los cambios sociales, fundamentalmente en el modo de comunicarnos. Eso me hizo reflexionar sobre el concepto de red, en cuanto a cómo estamos hoy todos vinculados, emulando un gran cerebro y sus conexiones neurales, que es lo que estoy representando con esta obra”, dice Omeñaca.

Investigadora de la materialidad en la escultura, con más de 25 años de trayectoria, en esta oportunidad Soledad Omeñaca deja atrás la madera, el aluminio o el bronce tan característicos de su trabajo: “estoy muy contenta con el uso del cartón reciclado, un material que considero noble, en el sentido de que se usa y se renueva, para reciclarse otra vez. Eso le da fecha de término a mi instalación y me parece muy acorde a la sociedad que vivimos”, señala la escultora. “En este punto fue fundamental para mí contar con el aporte de Envases Impresos Roble Alto, ya que utilicé más de 200 planchas de cartón reciclado, además de todo lo que significa el proceso de diseño y troquelado de cada pieza, material que de otra forma no habría podido conseguir”.

Magma, por Ignacio Bahna. Foto: Ignacio Bahna.

Magma, por Ignacio Bahna. Foto: Ignacio Bahna.

 

El artista chileno Ignacio Bahna cierra su residencia artística en México con una exposición en la galería mexicana YAM Gallery. Titulada MAGMA, esta muestra presenta esculturas elaboradas en Chile y trabajos realizados durante la residencia artística de Bahna en San Miguel de Allende, México.

En MAGMA, Ignacio Bahna plasma los formidables efectos naturales de explosiones volcánicas e incendios forestales de los cuales fue testigo en el sur de Chile. Sus esculturas murales están compuestas de maderas carbonizadas y recolectadas en las inmediaciones del volcán Villarica, así como de resinas naturales translúcidas iluminadas con tecnología de LED. El conjunto ofrece la visión de fascinantes fisuras geológicas incandescentes.

Invitado


With Energy Beyond These Walls - A System of Two Sculptures 1971
Imagen extraída de: VVAA, El ojo pensante, Catálogo Fundación Telefónica, 2009.p.34

 

El presente texto representa un extracto del segundo capítulo del ensayo Juan Downey y la energía invisible del Arte Sonoro chileno (título provisorio), que se encuentra desarrollando Ana María Estrada Zúñiga[i] durante este año 2015, gracias a una Beca de Creación del Fondo del Libro.

 

EL SONIDO COMO ENERGÍA INVISIBLE EN LAS ESCULTURAS DE JUAN DOWNEY
 

Por Ana María Estrada Zúñiga

El mundo cambia en función del sitio donde fijamos nuestra atención.

Este proceso es aditivo y energético.

                                                                 John Cage “Para los pájaros”

 

          Entre las décadas de 1960 y 1970, el artista chileno Juan Downey decidió llevar a cabo un gran número de esculturas que problematizan la relación de la obra con el espectador, principalmente aludiendo al feedback que se produciría entre estos. Las esculturas electrónicas y/o audiocinéticas son parte de dichas obras, a las que daré revisión a continuación utilizando las descripciones que el propio artista nos proporciona para poder analizarlas.

          Considerando el evidente desarrollo e inclusión de la tecnología que implicaban estas obras, lo que me parece interesante en ellas es que proponen una dinámica de interacción en donde el sonido aparece como un elemento relevante, y en las que el proceso de trabajo se desenvolvió en lo que hoy en día llamamos una práctica transdisciplinar, aunque esto tiene su origen en el concepto de Intermedia,[1] el que incorpora también áreas que no son propias de las artes, como la ingeniería para el caso particular de las obras de Juan Downey que se revisarán en este texto.  Por esto mismo es que me parece que en estas obras el artista se hace cargo del proyecto de relación Arte-Vida heredado de las vanguardias, y logra extrapolarlo al estado intermedio en que en ese momento y aún hoy en día se encuentra el arte contemporáneo, ya que no le interesa producir “objetos bellos” ni plantear una reflexión sobre la vida de las personas, sino producir objetos/máquinas que generen un modo de interacción y apelen a la conciencia. Como señalaba el propio artista:

 

Si me dieran a elegir, escogería la total inacción para mi vida entera. No obstante, persisto en la actividad de construir esculturas electrónicas, porque:

Su existencia o destrucción es irrelevante a la vida que hay en ellas.

Provocan que la gente juegue.

Hacen a la gente consciente de la enorme cantidad de distintos tipos de energía en el universo.

Son efímeras.

Esto forma parte de un nuevo desarrollo en la historia del arte: crear obras de arte que no deben durar mucho tiempo.

Plantean un problema para los coleccionistas de objetos artísticos.

Crean la ilusión de que el público puede participar en la obra de arte. De hecho seguimos siendo espectadores perplejos por el orden que hace crecer y moverse al mundo, aunque hacemos ver que determinamos lo que nos ocurre.

Es divertido hablar de ello con los amigos.

Imitan aspectos del movimiento en la vida.

El arte tiene más interés en pensar sobre las experiencias de la gente que en producir objetos.

Hacen a la gente consciente de las animadas relaciones entre  distintas clases de cosas.

Gustan a los niños.

A veces producen una inversión de los fenómenos naturales […].[2]    

 

            Al leer estas palabras resulta claro el vínculo entre Downey y artistas de vanguardia como John Cage o el grupo Fluxus, y es en su propuesta escultórica-tecnológica donde esa herencia Arte-Vida anteriormente mencionada se expresará de manera más explícita.

          Por otra parte, Downey buscaría repensar y reflexionar también respecto al rol del artista y la relación de la obra con el público, cuestión que será importante al momento de examinar obras de arte sonoro que de forma implícita provocan una relación diferente con el espectador o receptor de la obra, sobre todo si consideramos que el sonido corresponde a una energía invisible[3].

Escáner Cultural nº: 
187


Marcial Ugarte

 

TERCERA FERIA DE ARTE Y DISEÑO DE PUERTO VARAS

se sitúa como referente cultural en el sur de Chile

Se inaugura el 11 de noviembre de 2015

 

El centenario parque Kunstgarten es el imponente escenario que alberga por segundo año consecutivo la feria artePuertoVaras 2015 que en su tercera versión se desarrolla entre el 12 y el 22 de noviembre, con la participación de una cuarentena de artistas provenientes de todo Chile quienes trabajarán en torno al concepto curatorial Entre materia y tecnología comisariado por la artista y docente Verónica Astudillo Águila.

 

Luego del éxito de las dos versiones anteriores, en 2013 y 2014 registrando en promedio 20 mil visitantes anuales,  vuelve uno de los eventos más relevantes de las artes visuales de nuestro país fuera de Santiago. Durante 10 días se reúne en Puerto Varas una cuarentena de artistas de diversas generaciones, disciplinas y  puntos de residencia, configurando una escena bullente y memorable. Puerto Varas descentraliza así el arte nacional convirtiéndose en un importante nodo de creación y exhibición artística del cono sur, con muestras de pintura, escultura, objetos de diseño y arte digital emplazadas en el parque Kunstgarten, un marco natural y extraordinario frente a los volcanes y al lago, con árboles centenarios y especies nativas, a pasos del centro de la ciudad. Paralelamente se realizan gratuitamente conferencias, debates y talleres sobre el tema, a cargo de artistas, críticos, docentes e investigadores.

 

  
Pintura. Omar Gatica. www.omargatica.cl

 

  

Este año la curatoría gira en torno al concepto Entre materia y tecnología, a cargo de la docente y artista de la Pontificia Universidad Católica de Chile, Verónica Astudillo Águila, quien se ha propuesto dar al evento una impronta contemporánea, incorporando la tecnología y haciéndola dialogar con el arte más tradicional. “Juntaremos ambos mundos, convocando a artistas de un amplio espectro, desde Klaudia Kemper, Yto Aranda o el local Félix Lazo, que trabajan en base a la tecnología y a los nuevos medios, hasta Katherine Hrdalo, cuya obra gira en torno a lo matérico “, señala Astudillo.

En este contexto se ha invitado a más de 40 artistas, entre los que se cuentan reconocidos exponentes como Rodrigo Cabezas, Bruna Truffa, Omar Gatica, Hugo Marín y Osvaldo Thiers, quien será el artista homenajeado de la feria presentando su muestra retrospectiva por sus sesenta años de trayectoria. También destacan docentes e investigadores de gran trayectoria,  como Milan Ivelic y Gaspar Galaz.

En el ámbito de la educación y la vinculación con la comunidad, el Centro  Cultural Bosque Nativo, impulsor del proyecto, está trabajando con diversas instituciones, como la I. Municipalidad de Puerto Varas, Fuerza Aérea de Chile, Consejo Regional de la Cultura y las Artes, Universidad de Los Lagos, Instituto de Seguridad del Trabajo, Centro de Arte Molino Machmar, Teatro del Lago, Centro Cultural Sofía Hott, MAM de Chiloé, y la comunidad educativa local a fin de aprovechar este valioso espacio e incorporar a los niños y jóvenes estimulando su interés en torno a las artes visuales.

 “Tradicionalmente el evento se realizaba durante la época estival. Sin embargo decidimos darle una dimensión más local y menos ligada al turismo de verano, adelantándolo para que la comunidad participe activamente, especialmente los estudiantes, para quienes hemos diseñado un plan integral de mediaciones y visitas guiadas que garantiza su inclusión”, explica María Angélica Lapostol, Directora Ejecutiva del evento.

 


“Color Anatomy” de Francisca Núñez

 

 

GALERÍA DE ARTE CHILENA

ARTIUM SE INSTALA EN MIAMI

 

“Color Anatomy” de Francisca Núñez  y

“Domus Peccatum, House of Sins” de Edwin Rojas.

 

ARTIUM Galería de Arte, luego de 13 años de consolidación en el mercado chileno, comienza el importante desafío de internacionalizarse,  estableciendo una sucursal en la ciudad  de MIAMI, en el barrio de Wynwood,  puerto de entrada del arte a Estados Unidos. Esta oportunidad representa una vitrina muy interesante, para que la cultura plástica local siga proyectándose y comercializándose a nivel global.

El proyecto se ha gestado por el equipo de Artium Galería de Arte y ha contado con la ayuda y apoyo  de variados asesores en áreas específicas.

Luz Barros, Directora de ARTIUM, asegura que “la colaboración y confianza permanente del equipo de artistas de la galería, hacen que comprendan y asuman esta tarea como propia y una tremenda oportunidad para internacionalizar sus carreras profesionales”.

Miami se consolidó a nivel mundial como un centro cultural y artístico con crecimiento sostenido hace ya varias temporadas. Wynwood y el Art Distric, en esta ciudad, son los grandes polos vanguardistas donde se mezclan el diseño, la estética, la moda y un interesante público que busca panoramas y productos cada vez más novedosos, exclusivos y sofisticados.

Con más de 70 locales, entre galerías de arte, tiendas de antigüedades, bares y restoranes, son el paseo obligado de quienes se asombran con la creatividad y el talento en sus más amplias manifestaciones.

Así comprendemos que la llegada de Artium al epicentro del arte latino y norteamericano será beneficiosa para la cultura nacional.

Es un privilegio para Artium-Miami inaugurar su espacio con dos exhibiciones simultáneas de connotados y consagrados artistas chilenos, con una vasta experiencia internacional.

Lionel Cherpillod

SE REALIZA VIII PERSA DEL ARTE EN FACTORÍA SANTA ROSA

UN CLÁSICO CULTURAL DE SANTIAGO

Persa del Arte, Factoría Santa Rosa, Santa Rosa 2260, segundo piso. 14, 15, 16 y 17 de mayo, de 10:00 AM a 18:00 PM, ininterrumpidamente.

  • Entre el 14 y 17 de mayopróximo la Factoría Santa Rosa, ubicada en pleno Persa Bío Bío, realizará la octava versión de esta tradicional venta, que pone a disposición del público obras de arte de excelencia a precios módicos y accesibles. Son más de 40 artistas de primer nivel, consagrados y emergentes, y la obra con que participan la desarrollaron en los últimos meses.
  • Obra de artistas de la talla de Guillermo Núñez, Pancha Núñez, Omar Gatica, Ismael Frigerio, Gonzalo Cienfuegos, entre otros,  se darán cita en este clásico encuentro de arte.

TALLER PARA NIÑOS CON LA ESCULTORA NORMA JULIETA RAMÍREZ

 

Dibujo, pintura, escultura en pulpa de papel

Variados proyectos entretenidos y creativos especiales para niños entre 2 y 5 años.

El espacio de taller bello, casa antigua y amplia, con jardines, en la calle Pocuro casi esquina Los Leones

Días sábados de 10 a 12:30 Hrs. El valor es de $60.000 por mes (4 clases)

Materiales  incluidos en el valor.

 
 
 
 
 
 
 
 
Dagmara Wyskiel, directora:
“La Semana de Arte Contemporáneo de Antofagasta hace realidad el discurso descentralizador”
 
 
 
Por Carolina Lara.
 
 
La tercera versión de la Semana de Arte Contemporáneo de Antofagasta (SACO) se realizó del 21 al 31 de agosto en el Parque Cultural Huanchaca, reuniendo a doce curadores, investigadores y artistas de Perú, Bolivia y Chile que reflexionaron sobre la problemática relación entre los tres países. Eran todos autores relevantes en las respectivas escenas: el curador Gustavo Buntinx (director de Micromuseo de Lima), el investigador cusqueño Harold Hernández más los artistas César Cornejo y Elliot Túpac Urcuhuaranga; desde Bolivia, la curadora Lucía Querejazu, el investigador Juan Fabbri y los artistas Juan Achocalla y Andrés Bedoya, este último de reciente gran resonancia a nivel internacional; sumándose desde Chile el curador Rodolfo Andaur, el investigador de Tocopilla Damir Galaz-Mandakovic, junto a Catalina González y Claudio Correa, artistas de Santiago relacionados también al norte chileno.
 
Escáner Cultural nº: 
173
Micelio

 

Keith L. Andrews: humanista

Jorge Restrepo

La búsqueda de la integralidad, en este caso los interesantes alcances de Keith L. Andrews en su faceta como escultor, es un recurso para pensar en una renovación del concepto que tenemos hoy sobre el desarrollo del Talento Humano.  He conocido y participado en muchos de los momentos del rico proceso profesional de Keith por más de tres décadas, me he sorprendido con cada espacio que aborda.  Un recorrido por su obra escultórica se enriquece al escuchar al científico, al líder, al pedagogo, al humanista, al artista.  Sus obras, sumadas a la sustentación que el autor les da, ganan nuevas dimensiones si se revisa su larga trayectoria personal y profesional: él hace parte de esa raza que vino a mejorar el mundo.  Este humanista materializa como artista su preocupación por el entorno, testimonio que da en su quehacer interdisciplinario.

Jorge: Un entomólogo me dijo una vez que él y sus colegas sólo se relacionan bien con los insectos. Creo que a ti te pasa lo contrario, y es que estableces mejores lazos con los humanos que con los artrópodos...

Escáner Cultural nº: 
173
 
 
NEXO·MATÉRICO
 
 
El día sábado 9 de Agosto a las 11:30 hrs. se inaugura en Galería Isabel Aninat, la exposición del escultor Carlos Edwards, que se titula ¨Nexo Matérico¨. Dicha muestra consta de 8 esculturas realizadas en granito de mediano formato. En las cuales el artista de la Universidad Finis Terrae, transforma la piedra en un elemento activo, interviniéndola mediante cortes y uniones, proceso que le otorga un nuevo significado. 
 
La exposición estará abierta a público hasta el día sábado 20 de Septiembre. Entrada liberada. Galería Isabel Aninat (Espoz 3100, Vitacura)
 

Digital-Análogo

Doris Salcedo_http://www.semana.com/on-line/articulo/chevere-fuera-mentira-ellos-estuvieran-vivos/86932-3
Doris Salcedo - Escultora Colombiana
Foto: http://www.semana.com/on-line/articulo/chevere-fuera-mentira-ellos-estuvieran-vivos/86932-3

 

 

RESEÑA o RE-seña: sobre obras y eventos expositivos de la artista colombiana, Doris Salcedo. Parte II

 

 

Por Tulio Restrepo

e-mail: tulio.restrepo@une.net.co

 

A continuación finalizo esta segunda parte de Reseña o Re-seña, sobre una serie de artículos breves acerca de quince eventos expositivos presentados por la escultora Colombiana Doris Salcedo.

 

Acción de Duelo

Doris Salcedo_Acción de Duelo

Escáner Cultural nº: 
167