Escáner Cultural

REVISTA VIRTUAL DE ARTE CONTEMPORÁNEO Y NUEVAS TENDENCIAS

ISSN 0719-4757
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Ximena Jordan



Exposición Presidentas de Latinoamérica por primera vez en Santiago


Desde el 7 al 28 de abril del presente año 2017, se expondrá por primera vez en la capital del país la muestra de arte Presidentas de Latinoamérica, por el artista chileno Andrés Ovalle. El lugar de la exposición es el Espacio Quinta Bella de Cultura Recoleta, ubicado en calle Inocencia #2711, metro estación Einstein, comuna de Recoleta, ciudad de Santiago.

Presidentas de Latinoamérica está compuesta por dieciocho obras de acrílico sobre lienzo en gran formato. Para su creación, Ovalle realizó un seguimiento visual de las líderes latinoamericanas retratadas: Michelle Bachelet (Chile), Cristina Fernández (Argentina), Dilma Rouseff (Brasil) y Laura Chinchilla (Costa Rica). La exhibición consta de retratos creativos de las cuatro mandatarias, en estilo posmoderno, los que conforman representaciones simbólicas del paisaje geopolítico latinoamericano en los que abundan el colorido, la diversidad temática y la originalidad.

El espectador jamás imaginará retratos de personajes públicos como los que verá en la exposición Presidentas de Latinoamérica; la cual es clara muestra de libertad e innovación en la creación artística chilena actual.

Andrés Ovalle ha realizado más de veinticinco exposiciones individuales y ha participado en quince muestras colectivas a lo largo del país, incluyendo una exhibición en Isla de Pascua. Entre sus obras más significativas están la animación “Agú, campaña de prevención contra la epidemia del falso arte” y su cortometraje ópera prima “Prat y Grau Presos en La Haya”, este último disponible en internet. En el extranjero, Andrés Ovalle ha expuesto en conocidos espacios artísticos de California, Nueva York y Washington. La curaduría de esta exposición está a cargo de Ximena Jordán, curadora de arte y gestora cultural chilena, actualmente residente en México.

 

 


INVITACIÓN A LA EXPOSICIÓN PRESIDENTAS DE LATINOAMÉRICA


La exposición Presidentas de Latinoamérica serán exhibida a todo público y de forma completamente gratuita en la Sala de Artes Visuales del Parque Cultural de Valparaíso, ubicado en calle Cárcel número 471 Valparaíso, desde el lunes 9 al 31 de diciembre del presente año 2014. La curadora de esta muestra es la chilena residente en México, Ximena Jordán.

Para conocer más de esta exposición:

Video publicitario de la muestra Presidentas de Latinoamérica:



 https://www.youtube.com/watch?v=hRe4_qCwBTI

Evolución de la Belleza

 

 

Platillo creado y decorado por Chef Jaime Cisterna. Foto: gentileza del chef-artista.

De la piedra al paladar

Petroglifos atacameños en la comida chilena

 

 

Por: Ximena Jordán.

ximejordan@gmail.com

 

Para empezar el siguiente artículo los invito a que se formulen la siguiente pregunta: ¿cuántas maneras distintas de acercarnos al arte conocemos? En la actualidad, debido a la extensión mediática del arte y también por causa de la diversificación tecnológica de los medios de comunicación, la respuesta a esta pregunta sería una amplia enumeración de posibilidades. El arte nos llega a través de revistas impresas, virtuales, redes sociales, radio, televisión…etc. A pesar de esta creciente variedad de medios de información del arte, probablemente no nos ha tocado que el arte llegue a nosotros a través de la comida.

Evolución de la Belleza

 

Literatura sin lectura: más de poesía visual

 

Por: Ximena Jordán.

Correo electrónico: ximejordan@gmail.com

 

Poesía concreta, y visual

El domingo 9 de marzo del presente año 2014 se celebró en el Palacio Nacional de Bellas Artes el lanzamiento de la 1ª recopilación de Poesía Visual Mexicana, un vistoso libro en formato grande que lleva este mismo nombre. Para la mayoría de los lectores de literatura de todo tipo, la publicación de este libro es un suceso original, pues la poesía visual aún no es conocida a nivel masivo. Probablemente, quienes están particularmente interesados en la evolución de las artes en general, se han topado, en sus andares como espectador y/o lector, con alguna obra de poesía visual. Sin embargo, para la generalidad del público es aún la poesía visual algo desconocida. Considerando que el nivel de su conocimiento y comprensión aún es bastante relativo (lo que la vuelve un género literario intrigante) hablaremos de poesía visual en el presente artículo. No hablaremos exclusivamente de poesía visual mexicana, sino del fenómeno tal como se ha dado en distintos países occidentales durante lo últimos 50 años, sin perjuicio que el lanzamiento de esta antología haya sido el evento que suscitó el tratamiento de este tema.

 

           

            Poesía visual es poesía que se escribe y al mismo tiempo, que se ilustra. Es una simbiosis entre la palabra y la figura formada por la palabra, para alcanzar una significación integrada por ambos componentes. De esta manera, los poetas visuales ocupan el idioma en cuanto a su significado convencional y en cuanto a su posible decodificación a nivel estrictamente visual, combinando (en la mayoría de los casos) ambas significaciones en la elaboración de un mismo poema. Este estilo de poesía tiene antecedentes antiquísimos. En el caso particular de Occidente, sus orígenes se remontan a la Grecia Clásica del 300 a.C. con los trabajos del poeta Simmias de Rodas. De acuerdo con el Dr. Rodolfo Mata, académico de la UNAM y experto en la materia, un poema visual nos invita a “ver para leer”, proceso perceptivo que es necesario para entenderlo e interpretarlo ampliamente.

Escáner Cultural nº: 
169
Evolución de la Belleza

 

Imagen


¿QUIÉN NO HA RAYADO UNA PARED?
Pintura Mural, Grafiti y Esténcil


Por: Ximena Jordán
ximejordan@gmail.com


¿Quién no ha rayado una pared? Si hacemos esta pregunta en público, probablemente la respuesta será negativa por parte de la mayoría de los presentes. Siendo "no" la respuesta más posible, al mismo tiempo probablemente esta no sería, en la mayoría de los casos, la respuesta más verídica. Sin perjuicio de la vergüenza que implicaría reconocer la falta de urbanidad que involucra hacer ilustraciones sobre una pared, lo más seguro es que la mayoría de nosotros sí lo ha hecho.


       Los niños rayan paredes de manera casi instintiva. Y todos alguna vez fuimos niños. Los pequeños, en algún momento de sus viditas, se ven tentados a agarrar una tiza, plumón, lápiz de cualquier tipo, algún tipo de salsa, merengue...cualquier sustancia levemente pigmentante para ocuparla a modo de pintura y para que sus manitas hagan las veces de pincel. Probar cómo quedaría impregnada a través de la sustancia elegida una figuración de su autoría en la pared, es francamente un impulso incontrolable y, por qué no decirlo, un impulso bueno. En cuanto creativo y aventurero, a este rayado de pared no se le puede negar su bondad…aunque tengamos que frenar a sus autores por motivos socializantes, económicos y educativos.


El Pescador. Fragmento de mural. Sitio Incahuasi, Desierto de Atacama, Chile. Foto: Ximena Jordán.
Fragmento de mural. Sitio Nourlangie, territorio del Norte, Australia. Foto: Ximena Jordán.

 

      De la acción de probar cómo quedarían nuestras ideas ilustradas en un soporte sólido, vertical y ciertamente de tamaño más grande que nosotros, nace la primera forma de representación visual de la cual se tiene conocimiento hasta la actualidad. Esta representación artística visual primaria y ancestral, es conocida como arte rupestre, definiéndose este como aquellas expresiones visuales bidimensional plasmadas en un soporte de naturaleza rocosa. Fascinantemente, los niños siguen espontáneamente replicando esta forma de expresión en el ciclo XXI, como si no hubiera pasado "nada de tiempo" desde el acto creativo del hombre de las cavernas que dio origen a las primeras formas artístico-visuales y el desarrollo cognitivo de los niños de hoy en lo que comprensión visual del mundo respecta.

     Y es que, al parecer, las paredes o murallas, ya sean de roca, de piedra, de madera, de adobe y de la más imaginable variedad de materiales, son una irrefrenable tentación a la creatividad visual del ser humano. Podríamos deducir que nuestros ancestros que vivían en cavernas de roca, ilustraban en los muros rocosos de las mismas porque aún no era momento de la historia en la cual contar con viviendas construidas artificialmente por las manos humanas. Si no aún no construían sus propias moradas, menos aún iban a fabricar superficies idóneas en las cuales plasmar en forma permanente las imágenes por ellos compuestas. Este último podría sería entonces, el motivo principal de por qué el ser humano quiso comenzar por pintar en la roca misma: porque aún no contaban con otro tipo de superficie dónde plasmar imágenes que permanecieran indelebles al menos por un periodo considerable de tiempo. Distintamente, los demás soportes para pintar ofrecidos por la naturaleza, tales como troncos de árboles, arena de suelo y la piel de los cuerpos de los mismos seres humanos, eran esencialmente efímeros en su función. A pesar de esto, estos soportes efímeros también fueron ocupados por el hombre prehistórico para plasmar aquellas imágenes que no tuvieran una urgencia de permanecer observables por un lapso largo de tiempo. Estas imágenes plasmadas en soportes efímeros no eran necesariamente imágenes con una trascendencia cultural menor que las plasmadas en las rocas. Simplemente cumplían una función cultural distinta que no ameritaba una resistencia contra su desaparecimiento natural. En cambio, las ilustraciones que quería vencieran el paso del tiempo, esas, se hacían en soportes rocosos.

 

Escáner Cultural nº: 
161

 
CONTRA FIBRA.  Escultura. Madera, luces LED y fibra óptica.

“CAMPOS EN EXPANSIÓN”
del artista chileno Ignacio Bahna en Galería ARANAPOVEDA,
Madrid.

19 Abril - 29 Mayo

DENTRO DE LA TERCERA VERSIÓN DEL FESTIVAL DE ARTE CONTEMPORÁNEO JUGADA A TRES BANDAS 2013

 
“CAMPOS EN EXPANSIÓN”

La consciencia con respecto al problema medioambiental es la moral globalizada de nuestros tiempos. Interculturalmente, carecemos de puntos de encuentro ético entre las diversas sociedades que cohabitan en el globo. No obstante, esto parece tener su excepción en el tratamiento de los problemas que afectan el medioambiente puesto que consternan a la gran mayoría de las sociedades por igual. Y es que la cuestión medioambiental desconoce límites geográficos y políticos, afectando en el corto o largo plazo a todos quienes habitamos el planeta. En consecuencia con esto, en la serie de obras que componen la muestra escultórica“Campos en Expansión” el artista chileno Ignacio Bahna realiza una apropiación estética de este sentir medioambiental globalizado para darle cohesión morfológica a través de tu trabajo en madera.


ONDA EXPANSIVA.  Escultura en madera.

La naturaleza y su constante relación con el desarrollo del hombre constituyen la piedra angular de cada una de las obras de Bahna; esculturas que buscan dejar en evidencia cambios en la estructura medio ambiental producida por diversos eventos de origen humano y natural.

 Seductoramente estética y objetivamente conceptual, la obra de Bahna apela primeramente a los sentidos del observador posibilitando una conexión deleitable con un material noble y ecológicamente pertinente como lo es la madera reciclada, la cual se encuentra en estética relación con circuitos eléctricos; aquellos artificios de los cuales todos, de alguna manera u otra, dependemos para funcionar en sociedad. 

En la presente muestra se distinguen dos campos de expansión; el campo aéreo y el campo terrestre. En el primero, mediante la serie de obras Señal de Ajuste, Ignacio Bahna nos adentra en el volumen escultórico citando la expansión de antenas creadas a través de un sistema constructivo con madera reciclada, incorporando luces LED y fibra óptica. Esto, con el propósito de trasmitir al observador la esperanza de una comunicación restaurada entre naturaleza y tecnología. Cada una de las obras de Señal de Ajuste fue pensada con una inventiva estructural para intervenir espacios arquitectónicos poco frecuentes, tales como muros, esquinas y cielos.

Evolución de la Belleza

 

José Luis y Gaby. Lápiz y acuarela sobre papel. Ilustración de Patricia Inda. Foto: Patricia Inda.

 

El misterio de la Ilustración.

Evolución de la Belleza

 

Iguana, reproduccion en muro de la obra del artista Klaudio Vidal. Foto: www.murosquemiranelmar.org

Arte Mural y sus variaciones:

 Muros que Miran el Mar

 

“Lo público” del Arte Público

          Calificamos como arte público a aquél que se emplaza en espacios que no fueron creados expresamente para exponer arte, en espacios que se adecúan para cumplir una función expositora que originalmente les era ajena. Asimismo, en varios casos, el soporten en el cual se insertan las obras que se califican como arte público corresponde a uno que tampoco es propiamente artístico, tales como laderas de cerros, muros de roca, azoteas de edificios…etc. Del mismo modo que con el factor espacial, el arte público modifica este soporte “no artístico” para su utilización como sustento de una obra de arte.

Escáner Cultural nº: 
155
Evolución de la Belleza

Espejeándose - fotografía Julio Hernán

De lo efímero y lo sagrado

Estética y simbolismo de la flor de Loto

 

Por: Ximena Jordán - ximejordan@gmail.com

 

Una flor con un transcultural simbolismo

 

        Antes de asesorar al fotógrafo mexicano Julio Hernán en la curaduría de esta exposición, no imaginé que la flor de Loto tuviera un valor y un simbolismo de semejante multi-culturalidad. Debido a mi sorpresa, decidí compartir en el presente artículo un análisis del simbolismo de la flor de Loto y una visión acerca del proyecto fotográfico y de la obra del artista mexicano.

          Hace trece años comenzó la gestación de estas fotografías, cuando Julio Hernán decidió cultivar flores de Loto en una finca ecológica en el Bosque de Niebla, estado de Veracruz, México. En el origen, no hay intención artística. Solo existe la inquietud por parte de este artista pintor, escultor y fotógrafo, de cultivar una relación personal con la Flor de Loto.  Junto con su flotante belleza, despierta la atención del artista que estas flores posean atributos ancestralmente sagrados para la cultura Egipcia, la cultura India y la cultura China. Por causa de su transcultural simbolismo, hasta la actualidad lotos muy estilizados suelen aparecer representados en diversos objetos del arte de China, India, Egipto y Japón. Además, la Flor de Loto está presente en narraciones mitológicas pertenecientes a otras culturas, una de ellas relacionada con nuestra cultura occidental: la cultura Griega.

Escáner Cultural nº: 
149
Evolución de la Belleza

Alebrije de Flor

Alebrijes: El arte de creerle a los sueños

 

Por Ximena Jordán: ximejordan@gmail.com

     “Es como si la imaginación de volviera realidad…” comenta una de mis alumnas al pasear por la exposición de alebrijes monumentales del Paseo Reforma, ciudad de México, en Noviembre del presente año. Y es que ocurre literalmente de ese modo. De pronto, lo que solo la imaginación humana es capaz de mentalizar, está al frente del espectador representado por unos seres enormemente fantásticos. Fueron cerca de 200 alebrijes monumentales los expuestos este año, por lo que la variedad de temas y formas era insospechada. A su vez, el carácter de “monumental” se los da el tamaño de estos seres, los cuales a pesar de ser creados durante todo el año y en distinto formato, para la exposición de la cual hablamos debían de ser grandes. Muy.

 Gran Alebrije interactuando con público 

      Tradición nacida en los años ‘40 y en el mismo estado de México, los alebrijes tienen un origen tan curioso como su misma apariencia. Pedro Linares López, cartonero de oficio y originario de la ciudad de México, es quien extrae a estos seres de su imaginación onírica; aquella activada durante los estados de sueño. En algunos afortunados casos como este, las creaciones de esta imaginación permanecen latentes en la mente del soñador, quien las materializa una vez despierto, en obras que inevitablemente tienen un carácter estético-onírico. De este tipo de proceso creativo proviene la estética del surrealismo francés, y la estética de los alebrijes.

      Al igual que el surrealismo, históricamente los alebrijes encontraron su origen en la imaginación onírica. A pesar de tener esto en común, a estética de los alebrijes no es una estética solo surrealista. Los alebrijes constituyen un acierto estético-creativo independiente con respecto a cualquier forma creativa que se les asemeje. A diferencia del surrealismo, los alebrijes carecen de un componente intelectual tanto en su forma como en su contenido. En cambio, gozan de una conexión con el mundo natural (de ahí su calidad ecológica  y medioambientalista) y con el mundo emocional (de ahí su calidad edificantemente humana) que los hace ser apreciables, entendibles y disfrutables por espectadores de todas las edades. Hasta por los bebés. 

Escáner Cultural nº: 
143
Evolución de la Belleza

Arenismo: el arte de profesionalizar un juego

Por: Ximena Jordán

 

      Tuve la suerte de crecer frente a al mar y de tener como segundo patio de juegos, la playa. Sin perjuicio de lo altamente personal de esta experiencia, me pregunto: en Chile ¿quién no jugó a hacer castillos de arena cuando niño? Sin duda y debido a que contamos con aproximadamente 4.300 kilómetros de costa a lo largo de nuestro territorio chileno, por lo menos alguna vez... ¡todos lo hicimos!. 

Escáner Cultural nº: 
139