Pintura
Dom, 07/08/2012 - 11:42 | 
David Lynch
De la metáfora delirante a la fragmentación
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Alberto Caballero
No me queda muy claro porqué emprendo la escritura de esta serie de artículos sobre la obra –magistral- de David Lynch. Quizás por haber dedicado tantos años a la investigación sobre la obra de Michel Haneke, en las antípodas de Lynch, compilada en mi libro: ‘La realidad ordinaria y la obra de Michel Haneke’. Quizás porque el año 2011 se lo he dedicado a la obra de John Cage, todo un descubrimiento para mí, que me ha llevado a poder pensar sobre el valor de ‘el silencio’ no solo para el arte sino para el sujeto moderno (serie de artículos publicados en Escáner Cultural). Quizás porque esto me ha llevado a leer con más detenimiento el trabajo fundante que hace Jacques Lacan sobre la obra de James Joyce, ‘la estructura como una escritura’. Si en Cage me quedó claro que la música es ‘a la letra’, ni para el instrumento ni para la voz, como objeto, demostrar cómo Lynch pasa de sus primeras películas, fundadoras de su obra, construidas como una metáfora delirante, a sus últimas donde poco a poco se va perdiendo toda narración, si alguna quedaba, para ir construyéndolas ‘a la letra’, fragmento a fragmento, será todo un reto. Quizás por el prestigio incuestionable que su obra ha adquirido no sólo a nivel académico y artístico, más allá del cine, tal que se ha hecho imprescindible para poder leer el derrotero que la imagen ha producido en el siglo XX: de Hitchcock a Lynch, es decir demasiado. Quizás por la densidad visual y de comprensión de su obra, tantas veces su visionado se hace insoportable, atravesar lo insoportable, poder decir algo sobre lo insoportable será parte de este trabajo, espero poder cumplir con cada una de las etapas señaladas y ofrecerles el recorrido prometido.
He dividido mi trabajo en etapas, quizás para poder seguir un programa marcado previamente, quizás para poder hacer etapas en el camino, etapas que no había podido realizar con anterioridad:
LA DIOSA O LA ESCLAVA, SIEMPRE IMPORTANTE
Por Marina Yufereva | Марина Юферева
Las reglas existen para que uno las rompa un día. Y eso se siente muy agudamente en la esfera del arte. Ya hace tiempo los antepasados descubrieron las normas de perspectiva lineal y volumen, la proporción del cuerpo humano en el cuadro, pero no obstante se encuentran los arrojados los cuales a pesar de la opinión pública hacen lo que quieran y crean de su propia manera.
Una pintora rusa Anna Tarasenko es una de los arrojados. Ella nació en 1985 en la ciudad Novocherkassk de la región de Rostov-del-Don en la Federación de Rusia. Se graduó del instituto de arquitectura y artes. Y aunque es seguro que la pintora joven sepa reflejar la realidad de modo muy similar a la realidad y de modo correcto según las leyes del arte clásico, ella prefiere expresarse de manera extravagante. Anna confiesa su gran amor a “la escuela de Paris”, destacando en particular el arte de Amedeo Modigliani, un pintor italiano, y Marc Chagall, el pintor bieloruso y francés de origen hebreo.
A partir del 4 de Mayo hasta el 27 de Mayo tuvo lugar la exposición “Los zapatos rojos” de Anna Tarasenko en el Museo del Arte Moderno en Dmítrovskaya en la ciudad Rostov-del-Don en el Sur de la Federación de Rusia.
Muchos admiradores de su arte llegaron en rojo, teniendo las botas o las sandalias o los zapatos rojos. La exposición está dedicada a la mujer y a su alma enigmática.
La particularidad característica de sus lienzos es que todas las mujeres tienen los ojos extremadamente grandes, la nariz prolongada, la cara triangular y el aire misterioso y refinado. No hay volumen y sombras. Los cuadros parecen estar pintadas por la niña traviesa la cual no sabe ningunas leyes adultas y presenta el ser femenino como se le antoja.
HÉCTOR ROBLES ACUÑA: EL LEGADO PICTÓRICO DE LA FRONTERA.
Por Alvaro Oliva
El pintor Héctor Robles Acuña nació, el 6 de julio de 1919, en Temuco, en medio de los trigales y de las variadas culturas que existen en la región de la Araucanía. La diversidad de colores y paisajes, que mutan durante todo el año, se convirtieron en parte del material que se plasmó en sus acuarelas.
Las creaciones de Robles, quien además fue copista del Museo del Prado en España, se materializaron en variados muros del país. Sin embargo, a pesar de su reconocimiento internacional nunca tuvo la oportunidad de realizar un mural en su ciudad natal, y hoy en día, sólo podemos apreciar un cuadro que representa la fundación de Temuco, ubicado en el casino del monumento natural Cerro Ñielol, a pocas cuadras del centro, en la mencionada comuna.
Héctor Robles se destacó, durante su trayectoria, como un figurativista (realista), con dotes de retratista, autor de murales que representan momentos históricos del país. Para el centenario de la ciudad de Temuco, una de sus obras fue impresa en un sello postal.
Falleció, a los 88 años, el 6 de marzo de 2007, en Concepción, ciudad donde recibió el Premio Municipal de Artes.
Mikel Heredia y El Movimiento
Toda expresión del sentimiento implica necesariamente un acercamiento al básico desarrollo de lo asimilado, un reflejar de manera fidedigna, no lo que la realidad nos enseña sino lo que nuestros ojos captan y nuestro cerebro transforma en anacrónicas respuestas a un entorno que pareciera sacado de un individualismo formal no igual, no general a todo un conjunto social.
El fundamento que hace o da valía al trabajo realizado es la capacidad que el autor tenga para promover nuevas ideas o mecanismos expresivos, nuevas líneas, formas de expresión o desarrollos teóricos.
Arte Mundial
Serra Sanabrá y El Acero Vivo
Siempre he pensado que el verdadero artista no se mide tan sólo por su capacidad de plasmar un motivo o concepto por cualquiera de las disciplinas existentes o por ser capaz de acercarse a la tienda profesional o de manualidades a por unos pinceles y botes de pintura.
Sin duda alguna, el verdadero autor se nos presenta cuando es capaz de transmitir, procesar, elaborar y sobre todo crear nuevos caminos reconocibles dentro del amplio abanico creativo.
Todo ello pienso que se conjuga en la obra de la autora barcelonesa Serra Sanabrá.
Serra, que habitualmente trabaja con soportes de acero conjuntamente al óleo, dignifica el hecho del creador con iniciativa, del creador con el suficiente amor propio o más bien necesidad de transmitir algo diferente, algo marcadamente singularizado dentro de temáticas ya mostradas.
Tony Smith, "Die", 1962-1968
Michael Fried. "Arte y Objetualidad" (1967). Presentación y traducción.
Presentación de Carolina Benavente Morales
Traducción de Carolina Benavente, Macarena Brevis y Carolina Cárdenas
Presentación
El texto “Arte y objetualidad”, de Michael Fried, es un clásico de la teoría del arte contemporáneo porque, a partir de su aversión por el arte minimal o, como lo llama, arte literalista, el autor señala algunos de sus principales aspectos. Publicado originalmente el año 1967 en la revista Artforum, este ensayo permite apreciar el desafío lanzado hacia el formalismo por prácticas y perspectivas artísticas alternativas, con un alcance político disruptivo en la medida que escapan de la neta contemplación para ensayar diversos modos de participación del sujeto en la obra. Así, mientras el expresionismo abstracto de la inmediata posguerra había involucrado la recomposición individual del artista mediante la práctica del action painting (pintura de acción), el arte minimal de los 1960 conlleva una expansión hacia el espectador. El texto de Fried denuncia esta salida de encuadre acusando al arte minimal de caer en la teatralidad como principal recurso del “no arte”.
NUEVA VISTA: SILVER DE SAN PETERSBURGO
Marina Yufereva
Unos lo tienen como la erupción del volcán, eso les sucede de impulsos fuertes y quemadores y después se calma para un rato, otros lo tienen como el agua de manantial, siempre se aparece un chorro irresistible. Pero lo más importante es la fruta de este misterio llamado arte. Tal vez el artista Silver de San Petersburgo, Yevguéniy Andréyevich Kústov, lo ha experimentado todo y sigue siendo fiel al arte, aunque ya él mismo sabe cómo domar la furia o despertar el ansia…
Este año 2012 el pintor Silver dice que ha empezado a tender al expresionismo, le atraen las obras de los pintores alemanes como Franz von Stuck, Egon Schiele, Caspar David Friedrich. Y esto se nota en los cuadros de Silver, porque el primer pintor Franz von Stuck tuvo el misticismo muy destacado y el deseo de descubrir lo recóndito del cuerpo humano, mientras tanto el segundo pintor Egon Schiele prefería demostrar la pasión y el juego solamente del cuerpo sin ningún misticismo y el tercer pintor Caspar David Friedrich convertía todo en lo plácido llenando las obras con el azul del mar. Yevguéniy ha heredado algo de estos tres artistas, aunque transformando a nuestra época.
La obra “Perdidos en el mar” donde no se ve ni un protagonista pero se supone su presencia es semejante a una búsqueda de sí mismo, cuando uno no tiene nada estable y todo parece ser una onda traviesa la cual por su propio capricho y voluntad puede elevar o hundir sin ninguna piedad. Los toques anchos, caóticos, los brillos blancos repiten el espíritu de la tempestad. Quizá sea una revolución contra los ritos y tradiciones, declaración de nuevas ideas y tendencias… pero miren a los colores. Son los colores azul claro, azul oscuro y blanco, pues, no se trata de la revolución sino de la confusión, la desesperación, la fe ciega en el milagro mixta con el miedo que este milagro nunca ocurra, la incertidumbre en mañana. Y también se siente la impotencia y la incapacidad de salvarse de cualquier manera y alguna seguridad que algo va a pasar no obstante si uno quiera o no. Es un ejemplo clásico de expresionismo porque aquí lo más importante es el sentimiento y la emoción.
Omar Gatica
ENTRE MISTERIO Y DESCUBRIMIENTO
Desde Rusia
Marina Yufereva
A veces para comprender la esencia de las cosas es necesario comprender su misterio. Detrás de la simplicidad aparente es posible ver la profundidad del pensamiento. Y las imágenes que se repiten de un lienzo al otro en las combinaciones y las decisiones de color diferentes deben estar aceptadas como las imágenes de nosotros mismos, trasladados por la vida en las direcciones diversas, como las piezas de ajedrez.
En el Museo del Arte Moderno en Dmítrovskaya en la ciudad Rostov-del-Don en el Sur de la Federación Rusa desde el segundo de Marzo al segundo de Abril 2012 tiene lugar la exposición personal del pintor Vyacheslav Shmaguin (de la ciudad Dubna, la región de Moscú).
El autor recibió la educación profesional en la Escuela del Arte de Moscú. Desde 1970 participaba constantemente en las exposiciones del arte nonconformista en Moscú y San Petersburgo. En el arsenal de Vyacheslav Shmaguin hay más de 30 exposiciones personales en Rusia y al extranjero.
HOPPER: V. EL ESTILO AMERICANO
Por Mario Rodríguez Guerras
The American way of art
USA no tiene mitos a los que recurrir ni hijos pródigos a los que perdonar pero, tampoco, los desea porque todos ellos son figuras importadas del extranjero. Lo que los americanos sienten como suyo, y muestran a través de obras como las de Hopper, son los territorios conquistados, la paz establecida y las comodidades que proporciona la prosperidad económica, elementos completamente materialistas pero, a través de ellos, un espíritu sensible puede ser capaz de expresar ideas trascendentales.
LA FRONTERA EN MANOS DE ENRIQUE PFEIL
Por Alvaro Oliva
alvaro_oliva@hotmail.com
La variabilidad climática del sur de chile, específicamente de la novena región, entrega a sus habitantes, un espectáculo gratuito que puede disfrutarse durante todo el año. El entorno y la multiplicidad de colores pueden atenuar la realidad de la condición humana, llevando a cada individuo a un adormecimiento, a un sutil entorno que puede transformar, el día a día, en un sitio más llevadero.
La lluvia en la araucanía, cae durante todo el año y después da paso a colores inusuales, muy poco comunes en la zona central, donde el sol alumbra casi todo el año, en un clima estancado y sin movimientos.
Esta dinámica y la constante danza de la naturaleza, ha sido captada por diversos artistas chilenos, sin embargo, en esta oportunidad, nos referiremos al temuquense Enrique Pfeil Pabst.
Este creador, comenzó a pintar, en los años 50, como alumno libre en la Academia de Bellas Artes de Viña del Mar, mientras estudiaba la carrera de Técnico en Electricidad, en la Universidad Técnica Federico Santa María de Valparaíso.
“EDUARDO RAPIMÁN: SÓLO LA BELLEZA SALVARÁ AL MUNDO”
Eduardo Rapimán, artista visual mapuche que ha trabajado desde la infancia en artes visuales, recibiendo, como él reconoce, el estímulo de sus padres, comunidad y amigos, ha sido formado en el país y el extranjero, de manera individual y colectiva.
En esta entrevista, concedida desde México, nos da un panorama de su trabajo, de sus inquietudes, de sus sueños y sin concesiones nos extiende una aguda crítica a la institucionalidad del mundo del arte en Chile.
Con una mirada lúcida, intercultural y global, nos entrega un mensaje que da pistas sobre el bien vivir, cuestión que en la sociedad contemporánea observa como un valor casi olvidado y que él quiere relevar a una categoría superior.
Evocación a las artistas difuntas
1º de noviembre año 2011
Cortejo funebris
La calle y sus veredas servirán esta vez para plantear un recuerdo, para evocar a los silentes, a las silenciosas.
La calle para hacer un cortejo, una romería, al templo de los festejos, al sofá.
Así iniciaríamos y rendiríamos culto este año a las mujeres que han muerto siendo artistas anónimas o famosas, sin perjuicio de evocar a quien quieras durante la ocasión.
La romería o cortejo contará con la participación de vehículos adornados con los elementos típicos de este día, flores, fotografías. en caso de contar con un vehículo con parrilla podemos poner alguna obra de pintura de modo vertical.
Los y las que vamos caminando podemos portar retratos de las recordadas o recordados, velas encendidas, elementos propicios, instrumentos sonoros, vestuarios atractivos, una vez en el sofá estando, descansamos hacemos una reunión donde bebamos y comamos alguna cosita y nos ponemos de acuerdo en común para mostrar cada cual su propio rito
Invitamos a la participación activa y libre de las personas creadoras, inscribiéndose con su nombre y el nombre de la persona a la que recordarán en reunidos69@gmail.com
A las personas que están lejos, en otras ciudades o países pueden enviarnos sus colaboraciones por email a: reunidos69@gmail.com
Hola de inicio de la "Romería": 18:30 que hará un recorrido con un cortejo fúnebre en las cercanías del Sofa, iniciando y culminando en éste.
Hora de inicio: 18:30
Hora de término: 20:00
Para comenzar los festejos en el Sofa alrededor de las 20:00 horas para culminar después de las 24 horas en la madrugada del día 2 de noviembre (día internacional de los muertos y muertas).
Reunidos organiza.
http://artistasmuertos.wordpress.com/ en este blog pueden ver las celebraciones anteriores
Sofa, Sociedad de Fomento Artístico: Santa Isabel 0151, Providencia, Santiago de Chile
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SUMERSIÓN EN EL MUNDO FABULOSO
Marina Yufereva
Desde la tierna infancia llevamos en el corazón las queridas imágenes de los héroes fantásticos – Winnie Pooh, Caperucita Roja, Cenicienta, Blancanieves … y ya siendo adultos, los recordamos frecuentemente. Pero estas primeras imágenes que han caído en nuestra conciencia desde la ilustración del libro infantil o desde la película de dibujos animados, parecen ser las mejores a pesar de todo. Es justamente un instante cuando se puede decir que el pintor no sólo crea sus obras, él les da la vida.
Es posible que precisamente por eso Natalia Aksyútina, la persona joven creadora de la ciudad de Moscú, sin titubear, ha escogido este sendero, el sendero del pintor-animador. Una vez en la exposición de las muñecas que tuvo lugar en el museo del cine, donde estaban presentados los bosquejos a las películas de dibujos animados, Natalia se dio cuenta de repente con agudeza que ante todo quería quedarse en este mundo fabuloso de los dibujos animados.
De la historia de los dibujos animados se sabe que el pintor ruso Alexánder Alekséyev, tratando de unir la técnica del grabado y los principios del cinematógrafo, inventó el mecanismo que se fue conocido más tarde como la pantalla de agujas. La primera pantalla de agujas era creada en 1932, lamentablemente fuera de Rusia, puesto que Alexánder Alekséyev era el emigrante ruso en el oeste, y en 1933 Alekséyev hizo la película de animación con su ayuda — en cierto grado la ilustración para “La Noche sobre la Montaña Calva” de M. Músorgski. Los años después esta película se convirtió en la obra clásica de la cinematografía, parcialmente debido a la técnica original, pero, por encima de todo, porque esta técnica permitió a Alekséyev expresar la visión especial poética, reproducir el momento del movimiento.
En Rusia el primer estudio de dibujos animados era creado en 1936 – “Soyuzdetmultfilm” dentro del año cambiado de nombre en “Soyuzmultfilm”. Este estudio principal de dibujos animados creaba las obras maestras presentes. Los trabajos del estudio pueden estar recordados por cualquier ciudadano de Rusia que vivía en la URSS. Puesto que las películas de dibujos animados se creaban de todo el corazón y eran meditados hasta los pormenores. Hasta ahora se oye la nostalgia en la voz de los ciudadanos de Rusia, cuando las ven, por lo que según su opinión, en ellos había algo cordial, algo natal. No había lugar ni para la violencia, ni para las palabras groseras. Esto era el eco de aquel tiempo. Todo se hacía en base del folclore y de las obras clásicas. Los pintores rusos modernos tratan de guardar esta misma cordialidad en tales películas de dibujos animados como “Kashtanka” – el director Natalia Orlova, “Balanceaba” el director Aleksey Demin, “La Madre y el Hijo” – el director Andrey Ushakov.
Movida por el ímpetu de quedarse en el mundo fabuloso, Natalia Aksyútina ingresó en la Universidad Panrusa Gerásimov de Cinematografía (conocido también como VGIK) a la facultad artística, en el taller de S.A. Alimov (el pintor ruso del cine de dibujos animados, el gráfico, el profesor de esta escuela superior, el miembro activo de la Academia Rusa de las Artes, el artista del pueblo de la Federación Rusa 1999, el miembro de la Academia Rusa de las Artes Cinematográficas) y se graduó felizmente en 2011, y ahora Natalia la pintora-animadora joven.
El 1er de septiembre de 1919 la primera escuela estatal de cine era abierta en Moscú, era la primera institución de tal escala en el mundo (ahora VGIK) con la finalidad de asegurar la educación práctica completa para todos quienes están listos de servir a la cinematografía. En 1931 en la escuela de cine la cinemateca era organizada la cual acumuló 500 películas mejores de fama mundial. La cinemateca de VGIK dispone de la colección excepcional de las películas del cinematógrafo ruso y extranjero. Hoy día en el fondo hay más de 5000 películas que permite asegurar el proceso de estudios. En el proceso de formación de VGIK tomaban parte tales hombres destacados del cinematógrafo mundial como el Lev Kuleshov, Serguéi Eizenshtéin, Andréi Tarkovski y muchos otros. Casi toda la élite del cine profesional de Rusia está compuesta por los graduados de VGIK.
Retrato de una Presidenta
Arte, género y política en la obra de Andrés Ovalle
Por: Ximena Jordán. Email: ximejordan@gmail.com
