TERESA LARRAIN VIAL

Por: Amada Espinoza Pardo

Teresa Larraín Vial, artista chilena egresada de la Universidad Católica, es un artista profunda, que trabaja acuciosamente y sin descanso en la investigación de su arte, su silencio interior es su compañero, y es lo que expresa a través de su pintura, donde siempre trata de incorporar al hombre en un estado silencioso, nos lo hace ver como una sombra, como una huella; sin rostro, sin época, sin género definido; nos quiere hacer notar su dolor, la soledad, la vulnerabilidad, la melancolía del alma y hasta la muerte como ser trascendente; es por eso que busca paisajes con espacios vacíos y desnudos, de los cuales nacen sombras en lugares insólitos, los que despojan el espacio figurado de todo ornamento superfluo.

Tersita es madre de siete hijos, y cual hormiga laboriosa reparte su tiempo entre su descendencia y los pinceles es una experta en el equilibrio de sus tareas, ambas silenciosa y de profundo amor, argumentando que sus obras de arte, son sus otros hijos, los que se han hecho muchos ya que ha realizado siete exposiciones individuales y varias colectivas. A partir del 4 de Mayo, se presenta en el Centro de Extensión de la Universidad Católica con una gran exposición titulada "Espacios Sincopados" la que le invitamos a visitar.

¿Por qué elegiste este título para tu exposición?

El tema de mi exposición es el espacio: el cruce del espacio como marco y el espacio como profundidad.

La Tensión en la representación del espacio que alude a la detención del tiempo, sensación de silencio.

En la música el vacío se produce por ciertos ritmos sincopados, pero ante todo, por el silencio. En la poesía, por las palabras vacías o mediante la supresión de ciertas palabras gramaticales. En la pintura se representa por espacios no pintados o grandes planos de colores que ocupan un lugar importante en las telas, no como presencia inerte, sino como enlace entre el mundo visible a un mundo invisible.

¿Por qué acompañas tus pinturas con los haiku, hábleme de ellos?

Los haiku son tradicional de la antigua poesía japonesa, es una poesía del deleite. Al leer un haiku, hay que perderse en él, como en la naturaleza, sumergirse en sus profundidades, en sus imágenes, de modo tal, que es imposible percibir su sentido último.

En mi pintura dejo al espectador la tarea de terminar el camino que se ha iniciado en la tela. En su significado más profundo, pintar es mostrar una "realidad": la mía. Por lo tanto, toda obra queda sin decir lo esencial, en otras palabras, es una pausa suspendida, sin abordar completamente la vivencia. Los haiku, me impresionan por su observación pura, compleja y silenciosa de la vida.

¿Qué técnicas has trabajado, durante tu carrera artística?

Principalmente el óleo y también técnicas mixtas, sobre todo este último tiempo he incorporado las tierras de colores, el temple, pigmentos y policromía.

¿Qué Metodología de trabajo utilizas en tus obras?

Respecto a la metodología ha ido variando mucho según la época. U n tiempo que trabajé los retratos, utilicé fotografías de los personajes literario nuestros, de otra época, como Gabriela Mistral, Pablo Neruda, Enrique Linch, Virginia Wolf, etc. Para los paisajes tomaba croquis del natural, aunque fueran dos o tres trazos del corte del terreno que llevaba luego a la tela para plasmar impresiones fragmentarias. En esta última exposición, trata de paisajes urbanos en el que he buscado ángulos de edificios, calles, puentes, etc.

¿Cuál es el tema principal de esta muestra?

El tema principal de la muestra es claramente el espacio que intento captar a través de diferentes técnicas. En la primera parte están lo que se denominan Palimpsestos, que son trabajos en donde la policromía es el soporte que, a través del raspado, conciben las obras que podría decirse que están en un mestizaje; por una parte pintura, por los pigmentos y por otra, se realiza el oficio del grabado, ya que al raspar se va dejando la matriz.

En estos soportes he ido plasmando la génesis de mis obras, a través del tiempo, que están por todas partes, croqueras, papeles sueltos, tacos, etc.

La segunda parte son los óleos sobre lino, donde el espacio pictórico tiene una tendencia hacia la sencillez compositiva muy esencial, con extrema economía de medios visuales, en la que produce esa sensación de silencio y detención en las obras.

¿Quiénes han sido tus inspiradores para esta muestra?

Hay un homenaje a Hundertwaser, a quien le dedico tres óleos, y a Bill Brandt, como maestro de la fotografía.

¿Por qué la presencia de la música en esta exposición?

Siempre pinto con música y en especial en esta muestra, escucho la obra del autor nacional Alejandro Guarello. Me parece que se aviene con mi pintura, siento que hay una unión de dos fuerzas, y veo que ésta se traspasa a mis obras, como algo que se adhiere, es que para mí, la música es parte de mi creación artística, porque siempre ha estado unida a mi pintura.

Sin duda alguna estamos frente a una gran artista que transforma el tiempo vivido en espacios vivientes, donde la comprensión del arte, solo puede hacerse frente al arte realizado, aquí no bastan los conceptos ni las ideas abstractas que no han sido plasmadas en la realidad; porque toda comprensión se queda corta y no puede alcanzar la altura de la forma ideal que es su objetivo. Le invito a ver esta interesante muestra a partir del Martes 4 de mayo, en el centro de Extensión de la Universidad Católica.